El mundo digital, por su parte, no es sólo una suerte de conceptos informáticos o computacionales mal empleados y mal entendidos, es una realidad alterna donde también rigen las principales instituciones sociales: hay economía, hay interacción, hay socializaciones; o por lo menos eso lo creemos al verlo proyectado a través de una pantalla. ¿Realmente existe todo esto o sólo existe la pantalla en que lo vemos?, ¿es esencial debido a su inmaterialidad en el mundo factual pese a poder verlo?, ¿cómo logra afectar y construir nuestro mundo la imagen digitalizada? Estas son algunas de las cuestiones que Hito Steyerl plantea en su trabajo.

Lo esencial es invisible para los ojos, dicta una famosa línea en El Principito, la afamada novela corta de Antoine de Saint-Exupéry. Pero por un momento detengámonos a pensar la profundidad de estas palabras, y sobre todo su vigencia: la materialidad de nuestra realidad nos obliga a darle importancia a lo que se puede adquirir, comprar, vender; o en otras palabras, ver.

LA MUJER MÁS INFLUYENTE EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Con un doctorado en filosofía en la Academia de Bellas Artes en Viena y otro en la Universidad de las Artes en Berlín, Hito es también docente en su natal Alemania y se ha dedicado a hablar sobre las implicaciones de la imagen digitalizada. Por medio de ensayos, libros, audiovisuales, conferencias y sobre todo de sus pensamientos que logran concretarse en obras de arte contemporáneo, principalmente en soporte de video y como instalación.

Su discurso ha llevado a pensar en la realidad como un conjunto incesante de imágenes; un intercambio donde estas imágenes al ser captadas en un lugar y tiempo determinados pueden afectar a otro lugar y tiempo distintos. “Una invasión de la realidad cuando estas imágenes atraviesan la pantalla”, mencionó alguna vez en una conferencia en La Universidad de Michigan acerca de su obra Bubble Vision a principios de este año.

Es usual considerar al trabajo de Steyerl como “provocativo” pero lo cierto es que trata de explicar siempre desde referentes; las yuxtaposiciones generan obras con cierto grado de humor, la mayoría de veces involuntario. Pero no es gratuito: lo absurdo también es una alegoría de lo que pretende ser demasiado serio. De cualquier modo, ella ha sido nombrada como la persona más influyente en el arte contemporáneo por la revista inglesa ArtReview en su Power 100 List, donde había figurado desde 2013 por encima del lugar 75.

Bastaron tres años para que Hito llegara cerca de la posición actual. En quince años que se realiza este conteo por la prestigiosa revista, ella es la primera mujer que ostenta este lugar y lo hará hasta noviembre próximo, cuando salga una edición más del top. Marcar tendencia es previsible; nadie como ella ha tratado tanto y de tantas maneras la forma en que las imágenes se insertan en nuestra vida; y aunque haya debates al respecto, Steyerl invita a la reflexión constante.

  • CREACIÓN

Los límites del análisis y procesamiento de imágenes del ser humano es sobrepasado por la capacidad inconmensurable de crearlas e intercambiarlas. “Estamos en una época en la que las máquinas crean imágenes y las almacenan en un documento que sólo es comprensible para otras máquinas”, menciona durante una entrevista para el Instituto de Arte Contemporáneo (ICA, por sus siglas en inglés) en Boston; es decir, que estas imágenes sólo son accesibles para ciertas personas.

Dicho panorama va más allá de Internet y busca sus reflejos en lo que ocurre con el arte mismo. En otros trabajos (The Tower, Duty Free Art: Art in the Age of Planetary Civil War) hace hincapié en que los grandes almacenes resguardan arte con el fin de no pagar impuestos no difieren mucho de la producción de imágenes arriba descrito. Un último punto sobre Duty Free Art es que la esencia del arte contemporáneo debería ser esa también: ser libre, no tener compromisos. Existir; aunque sea terminante: “el arte que no puede ser visto difícilmente puede llamarse arte”.

Esto lo mencionó durante la presentación de su instalación Liquidity Inc. que se exhibirá en dicho recinto hasta finales de mayo próximo. En esta obra, la artista alemana compara los pronósticos del clima de la televisión con la influencia comercial del capitalismo: ambas cosas pueden ser siniestras en las condiciones adecuadas. Pero el estado líquido también habla de la economía dentro de una percepción posmoderna: las relaciones económicas, la información digitalizada y el clima se mueven constantemente.

Fluyen al no estar supeditados a las mismas condiciones que en el mundo analógico. En una segunda lectura, el soporte de video-instalación le otorga en la producción una manera de representar a la liquidez como herramienta creativa: la animación por CGI se conecta como el cauce a un río mayor compuesto de videos de archivo, escenas en pantalla verde y cambios bruscos de música.

Otra variante del trabajo de Hito es hablar sobre la narrativa del documental como género cinematográfico. November es la reconstrucción de la relación que la artista tuvo con Andrea Wolf, la mejor amiga en su adolescencia que murió a finales de 1998 por se parte del Ejército Libre de Mujeres del Kurdistán. Años después, la imagen de su amiga se transforma en un ícono de la causa kurda y pasa a ser reproducida infinidad de veces; tal como lo haría la fotografía del Che Guevara tomada por Korda.

Caso similar es el de la misma Hito quien se cuela en una protesta a favor del pueblo kurdo. Sin alguna intención proselitista, actúa con dolor ante una cámara que realiza un reportaje para la televisión y al final esta representación es una de las capturas más representativas de aquella marcha. En una reflexión final, Hito demuestra que lo ficcional puede ser tomado como documental y como ficcional de nuevo; hace una comparación con la muerte de Bruce Lee, su última película y la teoría de que sigue con vida y la postura del gobierno de Alemania respecto a la muerte de Andrea que según ellos no ocurrió. En pocas palabras: el uso de las imágenes.

La comedia, por su parte, es una herramienta que Hito emplea con más claridad. Para How No To Be Seen: a Fucking Didactic Educational .HACK File la artista crea un remake de un sketch de los comediantes ingleses Moty Paython y lo lleva a un discurso contemporáneo donde todo parece ser visible todo el tiempo. “¿Qué imágenes debemos decidir que deben ser vistas?, ¿quién crea el entorno visual que nos rodea y bajo qué condiciones?” cuestiones durante una entrevista para medios españoles.

Estas son las principales preguntas que lanza la creadora acerca del consumo y producción de imágenes. En esta obra Steyerl se centra en los algoritmos que tienen plataformas como Google para sugerirnos enlaces, productos o información a la hora de navegar: “vivimos en un mundo donde las imágenes nos vigilan: pues al buscar información el usuario da información a cambio; entre otras cosas: cuánto tiempo nos quedamos en una página, con qué lo relacionamos, a quién lo compartidos, qué opinamos al respecto, etcétera”, declara.

Da rienda suelta a la imaginación al plantear un futuro en que los museos y el arte entren a esta jugada: “imaginen que al ir al museo, vemos un cuadro o una obra de arte que nos causa desagrado, algún sistema de reconocimiento detecta esto e instantáneamente cambia a algo que podría gustarnos”. En nuestro país, Hito montó Circulacionismo en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM

  • REFLEXIÓN

Es confuso adentrarse a la propuesta de Hito. Son referentes y relaciones inesperadas; el principal problema es no predicar con el ejemplo: bombardea de información al espectador cuando le quiere hablar sobre el problema del bombardeo informativo. Para cualquier ojo resulta abrumador detenerse a pensar como Steyerl exige, a menos que de comedia se trate, sin embargo todo el mérito del mundo se merece por hablar de un tema tan actual y tan concerniente para todos.

Las imágenes digitalizadas, es decir, que son procesadas por un código en común entre interfaces como las computadoras o los móviles, tienden a llenarse de verosimilitud al llegar a nuestra mirada. Ver para creer, dicta una voz popular, es por eso que nos dejamos guiar por lo que vemos; ¿pero debemos ser los Condenados de la pantalla, como escribió Hito? La reflexión es necesaria al hablar de su obra; más allá de la experiencia estética, el objetivo es el cuestionamiento constante de lo que aparece en la pantalla. Pero es un camino que debe andarse con cuidado y sin prisa.

Cabe aclarar: ella no ha resuelto nada, quizá se deba esto a su formación filosófica. Si algo ha aportado al arte es una serie de cuestionamientos que futuras generaciones tendrían que resolver. Un interesante punto de partida.

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Martín Vargas

Me gusta contar historias: la forma es lo de menos. A veces una palabra vale más que mil imágenes.

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