Cómo empezar a escuchar a Kate Bush: la historia y las canciones de la artista que revolucionó el pop

Para la gran mayoría del público joven, el primer enamoramiento por Kate Bush ocurrió en el momento exacto en que “Running Up That Hill” rescató a Max Mayfield de las garras de Vecna en Stranger Things. La canción ocupó un lugar central en la cuarta temporada de la serie en 2022. Así llegó a una nueva generación y terminó alcanzando el número uno en Reino Unido 37 años después de su lanzamiento original. Pero décadas antes de hacerse viral en redes sociales gracias a la escena, la cantautora británica ya había construido un universo sonoro teatral, vanguardista e independiente.

¿Cómo pudo una canción de 1985 reconquistar las listas globales tantos años después? Tiene que ver con la mística impenetrable, dramática y visionaria que la definió en sus inicios. En esos años construyó un catálogo musical en el que el mito, el cuerpo, lo sobrenatural y los arquetipos femeninos se cruzaban.

Los inicios de Kate Bush

Kate Bush creció en la granja de East Wickham en Kent, un entorno bohemio y rural. Su formación musical se dio en familia: su padre, un médico, tocaba composiciones clásicas al piano, mientras que su madre, de origen irlandés, le transmitió una conexión directa con la música y la danza tradicionales de su tierra. También la influenciaron sus hermanos mayores, Jay y Paddy, quienes estaban inmersos en el folk y en el estudio de instrumentos antiguos. Entonces Kate comenzó a escribir poemas y a experimentar con el piano alrededor de los once años. También recibió formación en violín.

Su descubrimiento se debió a la mediación de Ricky Hopper, un amigo de la familia que llevó sus maquetas caseras a David Gilmour, guitarrista de Pink Floyd. Gilmour reconoció de inmediato su talento y financió sesiones con las que Bush pudo presentar material en mejores condiciones a la industria. Finalmente, EMI terminó contratándola cuando todavía era adolescente. Para cuando apareció The Kick Inside, ya había pasado varios años escribiendo y preparándose para el debut. Una retrospectiva de Pitchfork sobre The Kick Inside reconstruye esa etapa y sitúa su firma con EMI a los 16 años.

Su lanzamiento oficial llegó con The Kick Inside en febrero de 1978, cuando Kate Bush tenía 19 años. Durante el periodo previo se dedicó a perfeccionar su técnica vocal, a desarrollar su composición y a estudiar danza y mímica con maestros como Lindsay Kemp y Adam Darius. Por este motivo, su formación escénica terminaría siendo inseparable de sus canciones: danza, gesto, actuación y música formaron desde temprano una misma manera de contar historias. Esa integración de música, danza, teatro y tecnología como una de las características centrales de su carrera.

En el contexto del pop británico de finales de los setenta, Bush apareció mientras punk, post-punk, disco y las primeras formas de new wave estaban transformando rápidamente el panorama. Su propuesta teatral, melódica y cargada de referencias literarias resultó singular incluso dentro de ese periodo de cambio. Además, el debut llegó apenas un año después de la explosión del punk británico. Este contraste también ha sido señalado en la revisión histórica de The Kick Inside publicada por Pitchfork.

El debut que cambió el pop británico

El lanzamiento de The Kick Inside supuso un debut de art-rock original que presentó al mundo una voz privilegiada y una imaginación salvaje. El mayor impacto del disco fue el sencillo “Wuthering Heights”. La chispa surgió después de que Bush viera los últimos minutos de una adaptación televisiva de Cumbres borrascosas. Así, la obra de Emily Brontë alimentó después la construcción del personaje de Cathy.

Bush conectó con la pasión y la naturaleza espectral de Cathy y escribió la canción desde la perspectiva del personaje. Además, defendió que fuera su primer sencillo cuando EMI prefería una opción más convencional. La decisión terminó siendo histórica: “Wuthering Heights” llegó al número uno y convirtió a Kate Bush en la primera mujer en encabezar la lista británica con una canción escrita por ella misma.

Es una gran canción para adentrarse en su música, sobre todo por la interpretación vocal, que utiliza un registro agudo y un fraseo dramático para lograr un efecto sobrenatural. Además, explica desde el primer sencillo algo que seguiría haciendo durante décadas: cantar desde personajes, cuerpos y puntos de vista distintos al suyo.

Junto a este éxito figuró “The Man with the Child in His Eyes”, una balada que Bush compuso cuando solo tenía trece años. La pieza fue grabada en vivo con una orquesta durante unas sesiones en AIR Studios. La propia Bush habló de aquella primera experiencia trabajando con una formación orquestal al recordar al ingeniero Geoff Emerick en su sitio oficial. La canción consolidó su reputación como compositora prodigiosa.

La evolución de lo experimental

Tras el éxito de sus primeros trabajos, Kate Bush sintió la necesidad de tomar cada vez más control de su producción artística. Esta transición comenzó formalmente con Never for Ever (1980), en el que figuró como coproductora junto a Jon Kelly. Además, alcanzó un punto decisivo con The Dreaming (1982), el primer álbum que produjo completamente sola.

Su evolución en la composición estuvo marcada por el uso del Fairlight CMI, uno de los primeros sistemas digitales capaces de muestrear y reproducir sonidos. En “Babooshka”, esta herramienta permitió convertir cristales rotos en material musical; Richard James Burgess explicó cómo grabaron, apilaron y mapearon esos cristales en el Fairlight. En “Army Dreamers”, el sitio de Bush explica que el sonido de un rifle al ser montado se convirtió en un elemento de percusión. Dotó a sus canciones de una atmósfera cinemática y sensorial que ella resumió en una frase muy suya: aplicar “el futuro a la nostalgia”. La expresión procede de una entrevista de 1981 recuperada en el archivo de Smash Hits.

Con el álbum The Dreaming, Bush experimentó al invertir su metodología habitual: en lugar de componer siempre desde el piano, varias piezas comenzaron a crecer desde ritmos y texturas. “Sat in Your Lap” es uno de los ejemplos más claros: Bush contó que la canción terminó de tomar forma después de asistir a un concierto de Stevie Wonder y construir una base rítmica sobre la que acomodó el piano. La propia explicación de la compositora se conserva en sus notas sobre “Sat in Your Lap” archivadas por Gaffaweb.

A partir de ahí, producir dejó de ser una función externa. Se convirtió en parte de la composición: decidir qué sonido se muestreaba, dónde aparecía una respiración, cuánto espacio tenía una percusión o cómo podía una voz convertirse en personaje era ya parte de escribir la canción.

Hounds of Love

Considerado con frecuencia su obra maestra, Hounds of Love (1985) es el álbum que consolidó definitivamente el legado de Kate Bush. Probablemente es el mejor punto de partida si alguien quiere comenzar con un disco completo. Después del costoso y exigente proceso de The Dreaming, Bush construyó un estudio propio junto a la casa familiar. Lo utilizó para desarrollar Hounds of Love con mayor control del tiempo y del proceso. La cronología del estudio (levantado después de The Dreaming y antes de la grabación del nuevo álbum) se detalla en una revisión sobre la producción de Hounds of Love. Además, coincide con testimonios posteriores de sus colaboradores.

La estructura del álbum es fundamental para entender su impacto, ya que se divide en dos secciones. Cada una de ellas ocupaba una cara del vinilo original. La primera, titulada también Hounds of Love, está formada por canciones independientes y más inmediatas. Entre ellas destacan “Cloudbusting”, “Hounds of Love”, “The Big Sky” y “Running Up That Hill (A Deal with God)”. En cambio, la segunda constituye una ambiciosa suite conceptual llamada The Ninth Wave. Es la historia de una mujer perdida en el mar durante la noche que lucha por mantenerse despierta y sobrevivir. Además, la historia crítica del álbum publicada por Rolling Stone UK destaca justamente esa oposición entre la cara de canciones pop y el ciclo narrativo de siete piezas.

En The Ninth Wave, Bush integró sonidos ambientales, voces manipuladas y tecnologías de estudio con instrumentos acústicos vinculados a tradiciones irlandesas, entre ellos las uilleann pipes. La narrativa salta entre alucinaciones de juicios de brujas en «Waking the Witch» y visiones de versiones futuras de sí misma en “Jig of Life”. Así, la música funciona como vehículo sensorial para comunicar el terror, el sueño y la esperanza.

“Running Up That Hill” resume muchas de las razones por las que Hounds of Love funciona tan bien como entrada a su obra. Su ritmo es insistente pero contenido, el Fairlight crea una atmósfera difícil de fechar y la letra parte de una idea sencilla. Esta idea es imaginar que un hombre y una mujer pudieran intercambiar lugares para comprender realmente la experiencia del otro.

La influencia posterior de Hounds of Love ha sido duradera. El Rock & Roll Hall of Fame sitúa entre las artistas influidas por Bush a Björk, Tori Amos, Florence Welch, St. Vincent y Fiona Apple. También incluye a figuras como Lady Gaga, Joanna Newsom y Big Boi. Esa descendencia tiene sentido: Bush demostró que una compositora podía controlar escritura, producción, tecnología, puesta en escena y video sin tener que separar esas disciplinas.

Los años posteriores y el regreso

Tras consolidar su legado, Kate Bush adoptó un ritmo más pausado. En 1989 lanzó The Sensual World, un disco impregnado de folk cósmico, coros búlgaros y una temática femenina y adulta. También se alejaba del sonido de su éxito anterior. Este álbum incluyó una de sus piezas más celebradas: “This Woman’s Work”, una balada sobre el amor, el miedo y la pérdida. Fue compuesta originalmente para la película She’s Having a Baby.

Tras publicar The Red Shoes en 1993, Bush inició una pausa discográfica de doce años. Más tarde explicó que, después de pasar desde la adolescencia encadenando discos y promoción, había querido apartarse de ese ciclo. Quería vivir con mayor normalidad y privacidad. Además, durante esos años también nació su hijo Bertie y la vida familiar pasó a ocupar una parte importante de su tiempo. En una de sus escasas entrevistas de 2005 habló precisamente de lo importante que había sido poder vivir una vida normal durante esos doce años.

Su esperado regreso se produjo en 2005 con Aerial, un álbum doble dividido en “A Sea of Honey” y “A Sky of Honey”. Este trabajo funciona como una meditación sobre el paso del tiempo y el poder revitalizante de la música y de la naturaleza. El sencillo principal, “King of the Mountain”, utilizaba la figura de Elvis Presley y las imágenes de Citizen Kane. Así reflexionaba de forma inquietante sobre la fama y el aislamiento.

Bush continuó este renacimiento creativo en 2011 con el lanzamiento de dos proyectos en un solo año: Director’s Cut, donde revisitó temas antiguos, y 50 Words for Snow, un disco conceptual de atmósferas jazzísticas y canciones de larga duración. Además, en este disco utiliza la nieve como hilo conductor para explorar mitos y secretos. Así confirma su evolución hacia una etapa más abstracta y alejada del pop convencional.

Y entonces ocurrió algo que nadie podía planear. En 2022, la cuarta temporada de Stranger Things convirtió “Running Up That Hill” en una parte fundamental de la historia de Max Mayfield. Además, la canción explotó en streaming. Bush escribió en su sitio oficial sobre la sorpresa de ver a tantos jóvenes descubrirla por primera vez. Poco después, el tema alcanzó el número uno británico y rompió el récord del mayor intervalo entre dos números uno de un mismo artista —44 años desde «Wuthering Heights»—. Además, tardó 37 años desde su lanzamiento original en llegar a la cima.

El fenómeno explica mejor que cualquier campaña retrospectiva por qué su obra sigue funcionando. La producción de 1985 no sonó como una curiosidad arqueológica cuando apareció en una serie de 2022. Por el contrario, sonó presente.

¿Con qué canciones empezar si nunca has escuchado a Kate Bush?

Para el costado más teatral, “Wuthering Heights” sigue siendo la puerta de entrada porque condensa en pocos minutos su forma de cantar: el timbre agudo, el fraseo dramático y la capacidad de meterse en un personaje. En esa misma línea de teatralidad, pero más lúdica, “Babooshka” funciona como un microcuento. Presenta dos voces, dos personajes y una historia de celos contada en clave de fábula.

“Running Up That Hill” es probablemente la entrada más inmediata para quien viene del pop contemporáneo. Tiene un pulso rítmico constante, una producción electrónica que sigue sonando extraña sin hacerse inaccesible y una letra construida alrededor del deseo imposible de intercambiar perspectivas dentro de una relación. También permite escuchar hasta qué punto Bush podía utilizar el Fairlight y la producción digital. Usaba estos recursos sin borrar la emoción de una canción.

Del lado más físico y corporal está “Hounds of Love”, la canción que da nombre a su álbum más celebrado. Incluye cuerdas que aceleran y una voz que sugiere que está asustada del amor. Si “Running Up That Hill” abre la puerta al disco, “Hounds of Love” enseña cuánto movimiento puede meter Bush. Lo hace dentro de una canción de poco más de tres minutos.

Para entender su lado narrativo y cinematográfico, “Cloudbusting” incluye un video que relata una historia paralela sobre el científico Wilhelm Reich y su hijo. Además, contiene una de sus melodías más emotivas. Junto a ella, “This Woman’s Work” muestra el registro opuesto. Se trata de una balada centrada en voz y piano, pero acompañada también por un arreglo orquestal de Michael Kamen, acreditado en las ediciones de la canción.

Hay un puñado de canciones menos citadas que vale la pena incluir porque muestran hasta dónde llega su experimentación, tanto sonora como espiritual. “Breathing”, de Never for Ever, narra una catástrofe nuclear desde la perspectiva de un feto en el vientre materno. Es una de las premisas líricas más extrañas que se hayan propuesto en el pop de esa década. “Lily”, de The Red Shoes, abre con una invocación de protección basada en las enseñanzas de la sanadora espiritual Lily Cornford. Incluye referencias directas a arcángeles y a textos rituales de tradición esotérica. Y “Get Out of My House”, que cierra The Dreaming, es probablemente su tema más desafiante. Presenta gritos y una influencia de The Shining.

Por último, “Moving”, el primer corte de The Kick Inside, es la canción donde su formación en danza y mímica se escucha (sí, ¡se escucha!) con la voz moviéndose como si fuera un cuerpo en el espacio. “Running Up That Hill” fue la puerta de entrada para una generación. Sin embargo, Kate Bush construyó una de las discografías más arriesgadas del pop de las últimas cinco décadas. La invitación es a dejarte envolver por mucho más.